Sostenida por el vaciamiento superlativo de Joaquin Phoenix, el actor digiere el libro de estilo del De Niro de “Taxi Driver” y “Toro salvaje”; “Joker” ya es leyenda. Posee el carisma de las obras de culto. Su director y coguionista, Todd Phillips, se ha movido como quien sabe que ha compuesto la partitura de su vida. Todo roza la excelencia. Todo rezuma solvencia. Le sobra calidad y regala a diestro y siniestro inquietantes paradojas.
En sus primeros compases, los ojos se llenan de incredulidad. ¿Qué estamos viendo? ¿Qué pasa? La imagen de un bosque que se desmorona nos indica que Oliver Laxe mira a la naturaleza con la misma pasión delirante con la que Herzog y Tarkovski supieron representarla. Laxe escruta su tierra originaria con dolor oceánico. Desde la (com)pasión recrea el lugar del que proviene, la Galicia rural que cada día ve diezmar su población y que cada verano recibe la mordedura de un fuego abrasador que arrasa sus montes.
En su primera encarnación, “Una pequeña mentira” fue una novela gráfica obra de los españoles Mario Torrecillas, guionista, y Artur Laperla, dibujante. Ahora, en manos de Julien Rappeneau, un solvente director que fabrica best sellers cinematográficos con aparente facilidad, la historia de un pequeño y joven jugador de fútbol, víctima de una convivencia familiar problemática, compone un conmovedor cuentecillo. Un tebeo conciliador.
Rodada en euskera y heredera de un filme pionero en su género realizado hace casi 15 años, “Agur Etxebeste” aparece como una comedia de humor suave y crítica leve. Asume y quiere ser un producto amable que pellizca sin herir y que entretiene sin apasionar. Evita los barros de cierta comedia grotesca de escatología y humor chusco a cambio de conformar un divertimento, de baja intensidad y corto alcance.
La secuencia más impactante, tal vez la mejor filmada, acontece en una carretera camino de Salamanca. En ella, un Millán Astray arrebatado por su divina misión, arenga a las tropas de la legión. Por supuesto Amenábar asume que se trata de la misma legión que todas las semanas santas, cuando levanta la cruz, pone los pelos de punta a nazarenos sin memoria y turistas sin conocimiento.
La estructura de “Hasta siempre, hijo mío”, bello filme engarzado a golpe de austeridad emocional, corre como un tren de vagones desordenados. Su metrónomo da triples saltos, avanza y retrocede en el tiempo; retuerce el calendario y juega con lo que fue, para sugerir lo que pudo haber sido.
Aunque las imágenes que acompañan a la película de Belén Funes insistan siempre en mostrar a los dos Fernández (Greta y Eduard), hija y padre, el título reconoce de manera más certera quién carga con la mayor parte del peso de esta obra: “La hija de un ladrón”. O sea, la historia que se cuenta es la de ella, la de la hija, la citada Greta Fernández con cuyo rostro, anegado en lágrimas, culmina la desoladora crónica de una familia en ruinas.
Tras los intentos infructuosos en la jornada del lunes para sostener el nivel del SSIFF, a golpe de ensayo y error, ayer se intentó todo a golpe de poesía (funeraria) y melodrama de favela y pizza. El resultado: la sección oficial del Zinemaldia entra en coma. Gris, muy gris la jornada del martes donde tres películas de orígenes y facturas muy diferentes chocaban en la misma piedra: impostura e indefinición.
Acabados los ecos épicos del “guerracivilismo” que no cesa, el lunes, el Zinemaldia se puso el traje de faena. El glamour y el reconocimiento del cine de casa cedió el testigo a una triple oferta de cine de ensayo y error. Bueno tres títulos que, en realidad, cuentan solo como dos para la competición oficial, toda vez que James Franco, haciendo honor a su Concha de Oro, evidenció su condición de desastre dando la campanada con su película al quedarse fuera de la competición por meter la pata. ¿Quién le mandaría estrenarla hace unos días en Rusia dejando al Zinemaldia en evidencia?
“La trinchera infinita” tiene fin, faltaría más, pero ciertamente en su interior alberga muchas cicatrices, muchísimas. También parece evidente que su concreción encenderá incontables reflexiones y alguna que otra disputa. Es así porque la película, dirigida a seis manos por Aitor Arregi, Jon Garaño y José Mari Goenaga, se abisma -y palpa- en heridas sin cerrar, desde distancias sin equilibrar; al tiempo que convoca viejos fantasmas que, de un modo u otro, asustan y perturban a todas las familias.
Entre la historia y la leyenda, Amenábar escoge lo segundo. Entre la verdad, ay la verdad siempre inalcanzable, y la máscara, Amenábar se rinde al maquillaje para realzar la fuerza estremecedora de lo monstruoso. Y en este filme, el monstruo tiene dos caras, la de Millán Astray y la de Francisco Franco.
El verdadero interés de un festival, allí donde la prueba del algodón no engaña, habita en la calidad, riesgo e interés de la Sección Oficial. Lo demás es musiquita de fondo, trofeos añejos, reliquias de la grandeza de otros festivales y carne de relleno de una programación más o menos abarrotada. Ocurre además, que esa Sección Oficial que deviene en sección primordial, de manera habitual, la primera y la última película, la que inaugura y la que clausura, con ocupar simbólicamente un lugar relevante, nunca suelen ser significativas.
Mes tras mes, durante casi un año, “Ghostland” se ha visto empujada fuera de las previsiones de los estrenos. Anunciada para ser presentada hace tiempo, ese continuo desplazamiento arroja luces sobre la falta de sensibilidad y los prejuicios que acompañan siempre a las obras que se adentran en el terreno del horror.
Estructurada como una obra teatral, su desarrollo fluye de manera obsesiva en el interior de una vivienda. En concreto, en el cuarto de estar donde seis personajes esperan las cartas postreras que un amigo suicidado les ha escrito a modo de clausura y epitafio. Con un argumento bastante manoseado, (sí como los amigos de Peter), transcurre este filme del que, como la vieja canción de Barricada, podría decirse que lo suyo “es puro teatro”.
A la nouvelle vague no le gustaba Claude Lelouch. Ahora, cuando de aquel proyecto apenas sobrevive el hechicero mayor, Jean Luc Godard, a quien Agnes Varda calificó de rata, el tiempo ratifica sus opinión. Y además se han librado de ver lo peor de Lelouch. Si el Lelouch que hace 53 años filmó “Un hombre y una mujer” con sus “dabadabada” y eso sí, la sensualidad desbordada de Anouk Aimée y Trintignant, les parecía cursi; el que ahora sostiene “Los años más bellos de una vida” los habría aniquilado.
Pese a que no le faltaba razón a Hitchcock sobre lo complicado que resulta trabajar con niños, la segunda parte de “It”, la que narra el tiempo de la adultez de sus protagonistas, resulta menos interesante que la primera. Aclaremos el tema para quien no lo conozca. “It” fue presentada por su autor, el especialista en “best seller” de terror, Stephen King, en 1986. Su primera edición en castellano, aparecida un año después, ocupaba más de 1.500 páginas que fueron devoradas por miles de entusiastas atrapados en ese mezcla de cuento iniciático de amistad juvenil y relato gótico con payaso que horripila.